martes, 11 de junio de 2013

Género Cinematográfico

13 Cine de Terror / horror

Su trama –con o sin elementos fantásticos– va dirigida a producir en el espectador emociones como miedo, temor o pánico y jugar con estas emociones al someterlo a suspensos, sobresaltos y ansiedades. Engloba todas aquellas producciones cinematográficas cuya finalidad es formular dramas efectistas, truculentos o misteriosos, capaces de inducir sensaciones de inquietud, temor y sobresalto en el espectador. De acuerdo con las normas fijadas en literatura por la novela gótica, este tipo de argumentos suelen recurrir a ingredientes siniestros y morbosos, siguiendo una galería de arquetipos que viene a simbolizar, en diverso grado, el abanico de sensaciones que se abre entre la muerte y el dolor.
Una de sus vertientes es el cine gore donde sin ningún pudor se muestra sangre, vísceras y huesos de las víctimas, y tiene sus antecedentes en lo inverosímil y lo sanguinario. Por lo común, en este tipo de creaciones no suele faltar el romance, añadiendo la simbología amorosa a ese repertorio ya resumido.
 Películas de este género
 El fantasma de la ópera, 1925.
La versión en cine mudo de 1925 de The Phantom of the Opera, dirigida por Rupert Julian es una adaptación de la novela de Gastón Leroux El Fantasma de la Ópera, protagonizada por Lon Chaney en el rol de un enmascarado y desfigurado "Fantasma" que reside en el París Opera House, causando asesinatos y mutilaciones en un intento para forzar a los sostenedores del teatro hacer que lo ame la mujer que es su estrella del espectáculo.
Esta película causa más impacto por el horror intencionado por Lon Chaney, ya que él mismo se aplicaba el maquillaje, que era mantenido en un estudio secreto, hasta el lanzamiento de la película.

Hellraiser, 1987.
Es una película británica de terror de 1987 escrita y dirigida por Clive Barker, y basada en la aclamada novela de Barker Hellraiser. Es considerada tanto una película de culto como un clásico del género. El film explora temas tales como el sadomasoquismo, la relación entre el dolor y el placer, y la moralidad de personajes sometidos al temor y la tentación. Es la primera entrega de una saga que llega hasta el año 2006 y presenta al personaje Pinhead, el cual pronto se convirtió en un icono del Cine de Terror.

Los sin nombre, 1999.
Los sin nombre es una película de terror dirigida por Jaume Balagueró y protagonizada por Emma Vilarasau.
El cuerpo mutilado de una niña de seis años de edad se encuentra en un agujero lleno de agua. Se la identifica como Ángela, la hija desaparecida de Claudia (Emma Vilarasau). Sin embargo, sólo son dos las pruebas que se podrían utilizar para su identificación: un brazalete de ella con su nombre cerca de la escena del crimen, y el hecho de que su pierna derecha era cuatro centímetros más larga que la izquierda. Los demás métodos de identificación fueron eliminados de su cuerpo.
Cinco años más tarde Claudia, divorciada y ahora adicta a los tranquilizantes, recibe una llamada telefónica de alguien que afirma ser su hija (interpretada por Jessica del Pozo), suplicándole que vaya a por ella antes de que "ellos" la maten. Otras misteriosas pistas aparecen indicando que la hija de Claudia está, en efecto, todavía viva, y en un peligro muy grande. Claudia recurre a un ex-policía y a un reportero especializado en parapsicología para reunir las pistas y descubrir el paradero de Ángela.

28 días después, 2002.
Es una película dirigida por Danny Boyle, estrenada en Reino Unido el 1 de noviembre de 2002 y en Estados Unidos el 27 de junio de 2003. Está protagonizada por Cillian Murphy, Naomie Harris, Brendan Gleeson, Megan Burns y Christopher Eccleston, y ha dado lugar a una secuela (28 Weeks Later), y a una novela gráfica del mismo título. después, 2007.

28 semanas después, 2007.
28 Weeks Later (titulada 28 semanas después en España o Exterminio 2 en Hispanoamérica) es una película británica de suspense y terror, siendo la segunda entrega de la exitosa 28 Days Later. La película fue dirigida por Juan Carlos Fresnadillo y estrenada en el Reino Unido y los Estados Unidos el 11 de mayo de 2007.
  
Hermandad de sangre, 2009.
Es un vínculo que relaciona a dos o más personas a través de un pacto de sangre. Este pacto de sangre suele involucrar actos como la mezcla de sangre por medio de heridas y, aunque menos utilizado, mezcla de sangre en bebidas.
La Hermandad de Sangre suele reflejar un vínculo más fuerte que una hermandad biológica debido a que se adquieren responsabilidades mutuas más estrictas, se suele realizar un vínculo de igualdad entre las partes involucradas.
Esta actividad es practicada tradicionalmente por dos varones, aunque se han encontrado pruebas que se han realzido estos actos en forma grupal y de ambos sexos en el este y oeste de África Central. Un ejemplo claro es el conocido Pacto de sangre de Hungría, el cual fue hecho por los siete líderes tribales en el Siglo IX para reconocer su hermandad y al Gran Príncipe Álmos de Hungría como su supremo comandante. 

La invención de Hugo





Actores principales 

Ben Kingsley es Georges Méliès 




Sacha Baron Cohen es Station Inspector 






Asa Butterfield es Hugo Cabret 



Chloë Grace Moretz es Isabelle 


Ray Winstone es Uncle Claude 



Emily Mortimer es Lisette 



Director

Martin Scorsese
Martin Scorsese by David Shankbone.jpg

Nombre verdadero: Martin Charles Scorsese
Inicialmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas, que reflejan una crianza catolica. Se sintió atraído por el cine a una edad muy temprana con películas como Raíces profundasLa ventana indiscreta, o La heredera, y admite estar obsesionado con las películas, obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño que enfermaba a menudo, pasaba mucho tiempo de convalecencia en casa, observando desde su ventana lo que ocurría en la calle. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo que contribuyó a su determinación en ser cineasta.

Sinopsis
La película trata sobre un joven niño llamado Hugo Cabret, el cual pierde a su padre, un relojero, en un accidente y es obligado a vivir con su tío que se encarga de manejar el reloj en una estación de tren. Sin embargo, Hugo y su padre habían estado trabajando en arreglar un autómata, por el cual él debe robar piezas ahora para completar su reparación. Sin embargo, un día roba una pieza de una juguetería en la estación de tren, y el dueño, al darse cuenta, lo castiga y le quita la libreta en donde Hugo tenía todas las instrucciones y materiales necesarios para reparar el autómata. Al ocurrir esto, Hugo busca una manera de solucionarlo. Una niña que vive con el dueño de la tienda y su esposa le ayuda a recuperar la libreta. Hugo comienza a trabajar para el señor de la tienda para recuperar su libreta. Sin embargo, un día él y su amiga se enteran de quién es el dueño de la tienda en realidad: Georges Melies. De ahí en adelante, la película sigue con la reparación del autómata, y el reencuentro de Melies con su triste pasado, al haber perdido su fama. Hugo se enfrenta a diversos problemas durante la película, como su tío borracho o un policía que se encarga de llevar niños huérfanos al orfanato. A pesar de todo, todos los personajes se reúnen y esto nos deja con un final alegre.

Obras y autores relacionados
-Georges Melies con "Viaje a la Luna" y "La mansión del diablo"
-Cecil Hepworth.
-Los hermanos Lumière.
-"La invención de Hugo Cabret" novela por Brian Selznick.
 
Diálogos
- ¿Ese es tu propósito? ¿reparar cosas?
- No lo sé, es lo que hacía mi padre...
 
- Podríamos meternos en líos.
- Así sabes que es una aventura.

Si alguna vez preguntan de dónde vienen tus sueños, mira a tu alrededor.
 
Bandas sonoras
El creador de la banda sonora de la película La invención de Hugo, es el canadiense Howard Shore mundialmente conocido por sus anteriores trabajos en 'El señor de los anillos' y 'El silencio de los Corderos'.
Howard Leslie Shore es un compositor y saxofonista canadiense, conocido por sus bandas sonoras para películas. Ha compuesto las partituras de más de ochenta películas, especialmente la música de El silencio de los corderos y las películas de El Señor de los Anillos, por la que obtuvo tres Premios de la Academia. También es un colaborador constante del director David Cronenberg, habiendo compuesto desde 1979 todas las partituras de sus películas, salvo una.
 
 

Festival de cannes 2013





Festival de Cannes  con ello supimos quienes fueron los galardonados. El jurado ha sido el encargado de elegir a los ganadores de entre todas las películas que se presentaban, y tan sólo unas pocas se han alzado con el triunfo.
   La Vie d'Adele, del director de origen tunecino Abdellatif Kechiche, ha sido una de ellas, fue la gran ganadora de la Palma de Oro como la mejor película del Festival cinematográfico más prestigioso del mundo.
   Narra la historia de una joven de 18 años, Adele (Adèle Excharpoulos), que vive una pasión tumultuosa con Emma (Lea Seydoux). Las dos jóvenes pertenecen a mundos sociales diferentes, Emma es artista mientras queAdèle viene de una familia proletaria.
   Con las palabras: "La Palma de Oro va al realizador de La vida de Adele, Abdellatif Kechiche, y a las actrices Adele Exarchopoulous y Lea Seydoux", el presidente del jurado Steven Spielberg anunciaba el largometraje ganador.
   En segundo lugar quedó Inside Llewyn Davis, de los hermanos Coen. Ha sido una excelente evocación de un personaje imaginario, cantante rock de los años 70, que describe el ambiente de la época en Greenwich Village antes de la consagración de Bob Dylan.
   Like Father, Like Son del japonés Hirokazu Kore-Eda se llevó el Premio del Jurado, y quien ha sido la encargada de otorgarle este galardón ha sido nada más y nada menos que la actriz española Rossy de Palma.
   Las sorpresas fueron para la cinta The Immigrant de James Gray, que se quedó atrás sin ningún premio y estuvo entre las favoritas y la del realizador mexicano Amat Escalante, quien se llevó un Palmarés a la mejor dirección por su cinta Heli.
Palma de Oro (Mejor Película): La Vie d'Adèle - Chapitre 1 & 2, deAbdellatif Kechiche (Francia).
Gran Premio (Segundo Lugar): Inside Llewyn Davis, de Ethan y Joel Coen (Estados Unidos).
Premio del Jurado (Tercer Premio): Like Father, Like Son, de Hirokazu Kore-Eda (Japón).
Cámara de Oro (Debut Cinematográfico): Ilo Ilo, de Anthony Chen(Singapur).
Mejor DirectorHeli, de Amat Escalante (México).
Mejor GuiónTian Zhu Ding, de Jia Zhangke (China).
Mejor ActrizBérénice Bejo, por Le Passé (Francia).
Mejor ActorBruce Dern, por Nebraska (Estados Unidos).
Mejor CortoSafe, de Moon Byoung-Gon (Corea del Sur).


lunes, 29 de abril de 2013

Medusas invasoras


Ceuta colocará redes para evitar que las medusas lleguen a las playas

Una de las playas de Ceuta, mas concrétamente en la playa del Tarajal, se ha visto con el contratiempo de ser invadida por enormes medusas, y el gobierno se ha visto obligado a tomar una serie de medidas para poner fin a esto.



La Consejería de Medio Ambiente, Servicios Comunitarios y Barriadas del Gobierno de Ceuta que preside Juan Vivas (PP) ha sacado este viernes a licitación un concurso para adjudicar la instalación, mantenimiento, reposición y retirada de redes de contención de medusas y balizamiento en diferentes playas de la ciudad autónoma durante la temporada de baño de este año y el próximo.
   Según ha informado el Ejecutivo local en un comunicado, la inversión total prevista asciende a 186.000 euros. El Negociado de Contratación adjudicará el servicio "a la oferta económica más ventajosa".
   El Gobierno ceutí requerirá la colocación de casi dos kilómetros lineales de red para evitar la llegada de medusas a los arenales más frecuentados por los bañistas: se instalarán 206 metros lineales en la playa del Tarajal, 220 en la de La Almadraba, 840 en El Chorrillo y 511 en La Ribera, ubicadas todas ellas en la bahía sur. Según el pliego de prescripciones técnicas, evitarán el paso de los ejemplares de medusa de tres centímetros de diámetro.
   En cuanto al balizamiento, su función será "evitar o, al menos, disminuir el peligro para las personas en las zonas de baño donde concurren actividades tan diferentes como pasear y nadar además de otras como pescar, hacer motorismo acuático o kayak". Medio Ambiente contratará la instalación de las barreras físicas "visibles por todos y homologadas" en las playas de Benítez, Ribera, Chorrillo, Almadraba y Tarajal.
   El verano de 2006 fue el peor del último sexenio para los usuarios de las playas de Ceuta. Ese estío se registraron 3.500 picaduras, según datos de Cruz Roja, adjudicataria del servicio se socorrismo en la ciudad autónoma. Tras caer por debajo de cien en 2009 y 2010, la proliferación de estos animales en 2012 repuntó el volumen de picaduras veraniegas por encima de 1.300















La playa del Tarajal, Ceuta.

martes, 2 de abril de 2013

Historia del cine






A partir de 1892 los hermanos empezaron a trabajar en la posibilidad de fotografiar imágenes en movimiento. Patentaron un número significativo de progresos notables.
Crearon un aparato que servía como cámara y como proyector: el cinematográfico, que se basaba en el efecto de la persistencia retiniana de las imágenes sobre el ojo humano. El cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. En ese año, rodaron su primera película. El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en ParísEl cinematógrafo fue patentado el 13 de febrero de 1894. En ese año, rodaron su primera película. El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en Parísrgaban las piezas de la cámara filmadora en un cajón para su traslado de un lugar a otro.
El cinematógrafo fue patentado el 13 de Febrero de 1894. En ese año, rodaron su primera película. El 22 de marzo de 1895 fue mostrada en París.
Una de las palabras textuales de los hermanos ha sido; «el cine es una invención sin ningún futuro»; pero aprovecharon todo lo que el nuevo invento les ofreció para montar un negocio rentable. Los Lumière enviaban un cinematógrafo y un operador allá donde era requerido, por ejemplo a la Coronación del zar Nicolás, etc. Con estas cintas rodadas en los lugares más exóticos del planeta surge el montaje.

Cambio de cine mudo a cine sonoro


El cine por un tiempo fue considerado una captación menor, incluso un número 
de feria. Además, la técnica no había solucionado el problema del sonido, 
motivo por el que las funciones incluían un piano y un narrador (ver cine mudo). 
Pero en este  tiempo surgieron la mayoría de los géneros cinematográficos 
(ciencia ficción, históricas o de época); el género de la comedia musical, no 
surgió hasta el  invención del cine sonoro.
El cine sonoro es aquel que acompaña a las películas con sonido  sincronizado 
o tecnológicamente aparejado con la imagen. Por su parte el cine mudo es 
aquel que carece sonido, basándose únicamente en imágenes. Cuando no  
existía el cine sonoro los directores (de cine) y proyectistas se habían 
preocupado de crearlo, pues el cine nace con ese empeño.
Hacia el año 1926, el cine mudo había alcanzado un gran nivel de desarrollo en  
la imagen y movimiento de la cámara.
En el cambio al sonoro Chaplin decidió no abandonar el cine mudo, porque 
pensaba que si cambiaba sería su fin, por lo  que sus películas perdieron un 
poco el atractivo frente a las nuevas películas sonoras que empezaron a 
producirse a partir de 1929. No quería que su personaje, Charlot, que había 
creado con tanto trabajo, hablara. De hecho, aunque El gran dictador (The Great Dictator) y en Candilejas Chaplin sí habla, el  personaje del vagabundo 
Charlot nunca lo hizo en una película, ni siquiera en Tiempos Modernos donde 
el resto de los personajes sí lo hacen. Chaplin rodó Luces de la ciudad como 
película muda, pero con música grabada dentro de la película, compuesta por 
él mismo. La banda sonora incluía una versión instrumental de La violetera del 
español maestro Padilla. Chaplin había conocido esta canción en la voz de 
Raquel Meller, que entonces triunfaba en los Estados Unidos y a quien deseó 
incluir como protagonista femenina (sin conseguirlo). En 1936, es la última 
película en la que aparece Charlot como personaje. Aunque es una película 
sonora, en realidad su personaje no habla demasiado, y sigue manteniendo el 
lema  de las demás películas mudas. Los sectores del cine en Estados Unidos 
se enfadaron con esta película, que es considerada una de las obras maestras 
de la historia del cine.
Los primeros experimentos con el sonido en el cine llegaron de la mano del 
físico francés Démeny, quien en 1893 inventó la fotografía parlante. En 1918, 
se invento el sistema sonoro Tri-Ergon, que permitía la grabación en directo.
Los estudios Warner Bross, en 1927, se encontraban en una situación 
financiera delicada y apostaron por integrar el nuevo sistema de sonido. Al ver 
que tenían tanto éxito, todas las compañías cinematográficas empezaron a 
experimentar con el cine sonoro y el cine mudo quedó olvidado.
La aparición del cine sonoro introdujo grandes cambios, por ejemplo: la cámara 
perdió movilidad quedando en la posición fija del cine primitivo y la imagen 
perdió parte de su importancia cediéndole ésta al diálogo.
El cine sonoro hizo que la función que cumplía el conjunto musical al 
acompañar al  cine mudo desapareciera. El silencio cobra importancia como 
nuevo elemento dramático por el cine mudo. Se introduce el concepto de 
banda sonora (composición musical que acompaña a las películas).
Cambio de cine en blanco y negro a color.

El cine se inauguró como espectáculo en París en 1895  en blanco y negro. El 
cine en color no llegó hasta 1917 donde apareció el color en mano de la compañía Technicolor, aunque en un proceso más rudimentario que sólo utilizaba dos colores, que evolucionó a lo largo de los años 20 y primeros del 30, hasta que en 1934 se estrenó la primera película con una escena de acción real en Technicolor de tres colores.  Pocodespués Becky Sharp (1935) sería el primer largometraje íntegramente rodado a color. A pesar de todo ello, las 
complicaciones de rodar a color (se requería el triple de luz que con el sistema de blanco y negro y cámaras tres veces más grandes y pesadas) hizo que el cine en blanco y negro siguiera predominando una década y media más. Con la 
evolución y simplificación de Technicolor así como la aparición  de otras compañías de cine a color, el cine en blanco y negro quedó destinado a películas de bajo presupuesto o en las que era necesario por razones 
exclusivamente artísticas.
El color proporciona mayor adecuación a la realidad, ya que el mundo es en colores y no en blanco y negro. La luz es un elemento imprescindible para el lenguaje cinematográfico. La iluminación crea sombras, arrugas, rejuvenece o 
envejece, crea efectos psicológicos del personaje, en función de donde se coloque cambia la atmósfera de la película. La utilización del color en el cine 
hace más reales las escenas que se visualizan actualmente. Los cambios de color se realizan por métodos digitales.
El color sirve para centrar la atención, favorecer el ritmo dela narración y dar fuerza a determinadas escenas. Cada color tiene un significado.
-Pictórico: intenta evoca el colorido de los cuadros.
-Histórico: intenta recrear los colores de una época.
-Simbólico: este color se usa para subrayar algún efecto.
-Psicológico: cada color produce un efecto diferente en el ánimo: colores fríos (verde, azul, violeta) deprimen y los cálidos (rojo, naranja y                     
amarillo) exaltan.
El color en los principios del cine: las películas son fotogramas seguidos; al 
principio las imágenes se coloreaban a mano (1896). En 1930 se utilizaban 
pinceles giratorios. La revolución del color en el cine lo empezó la compañía 
Technicolor y empleó el método aditivo de  sumar 3 colores,  los colores 
primarios (azul, verde y rojo), y el método sustractivo  de restar colores; para 
ello empleaban filtros de color (filtro amarillo).

Primera cámara del cine
(hace 120 años)

La primera cámara de cine cumple ya 120 años, y lo que ha cambiado desde sus comienzos, desde la cámara hasta el propio cine. 120 años atrás entraba a la oficina de patentes y marcas de EEUU esta primera cámara, obra de la empresa de Thomas Edison, y o denominó Kinetscope. Aunque también aparecieron pocos días después otros dos inventos que destacaban por sus parecidos. El primero de ellos perteneció a los famosos Hermanos Lumiere, en Francia, y el segundo, en Alemania a otros dos hermanos, los Skaladanowsky.

Curiosamente el uso de la cámara era diferente en cada país. En EEUU lo utilizaban para presentaciones en ferias, a cambio de una moneda de cinco centavos te permitían acceder al fragmento de una película, lo que se denominó nickelodeon.  En cambio en Francia y Alemania, el uso de la cámara fue otro, se producía una exhibición del fragmento de la película con un conjunto más amplio de personas



imágenes de semana santa